e-ISSN 2665-4539 Inicio: 2018 (ROAD) Periodicidad: Anual Pais: Colombia Idioma: español DOI: https://doi.org/10.22490/issn.2665-4539 Back Projection es una revista formativa que publica los mejores trabajos de estudiantes y egresados del Programa de Artes Visuales de la UNAD. Explora procesos plásticos, visuales y teóricos de la creación artística, destacando la reflexión crítica, el contexto histórico-social y la experimentación en el taller universitario como ejes centrales de la investigación-creación.
Ganadores VII Curso-Concurso Unadista de Fotografía: Una mirada desde el territorio, 2025
En este número de la revista se presentan las piezas ganadoras del VII Curso-Concurso Unadista de Fotografía: Una mirada desde el territorio, una iniciativa que en 2025 reunió a estudiantes y egresados de distintos programas académicos de la UNAD en torno a la fotografía como lenguaje artístico, medio de reflexión y vehículo de conexión con los territorios que habitan. Liderada por la Línea de Arte y Cultura del Sistema de Bienestar Integral Unadista – VISAE y el Programa de Artes Visuales, esta convocatoria se consolidó como un escenario de encuentro interdisciplinar, en el que el arte y la educación dialogaron desde la sensibilidad y el compromiso social.
Derechos de autor 2026 Back Projection https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Antígonas tribunal de mujeres (Creación Colectiva Tramaluna Teatro)
En este apartado proponemos analizar la creación colectiva por medio del arte escénico (teatro), donde cohabitan el lenguaje poético y la figura mítica griega de Antígona de Sófocles. Un tribunal de mujeres sobrevivientes de los crímenes de estado, enlazadas por el dolor que constituye el grito de resiliencia, esperanza, rebeldía y lucha por no hundirse en la impunidad y con ello determinar si este tipo de expresión artística aporta en la producción de colectividades diversas y su fortalecimiento.
La fotografía reportaje es una herramienta esencial para documentar y visibilizar realidades sociales, en diferentes contextos. A través de imágenes impactantes, los fotoperiodistas permiten que las voces de comunidades marginadas sean escuchadas y fomentan la empatía entre diversas colectividades. En Colombia, este enfoque no sólo documenta la historia del país, sino que también contribuye a la creación y fortalecimiento de comunidades diversas, actuando como una guía para la transformación social y la justicia. En el siguiente documento, se presentará un análisis de la práctica social de la fotografía reportaje, centrándonos en el trabajo de Jesús Abad Colorado, aunque comenzaremos con un ejemplo de Lewis Hine. Se explorará cómo la fotografía de Abad Colorado establece relaciones significativas entre el arte y diversas colectividades, evidenciando su papel en la visibilizarían de realidades sociales y en la promoción de la empatía y el diálogo entre comunidades.
El Litigio estético y Litigio artístico son lo que podríamos llamar la materialización de una reparación simbólica; de esa forma, las comunidades y las perspectivas artísticas se alinean y transforman o, aunque sea evidencian realidades pasadas por alto por los diferentes sistemas de justicia y/o reparación. Es así como la realidad del barrio Bellavista en Soacha, se refleja en este texto; ya que luego de una serie de asesinatos sistemáticos, un silenciamiento a la comunidad y sumado a esto, una falta de injerencia por parte de los aparatos de justicia, se da un proceso de evaluación y de repaso histórico, que busca dar lugar a este conflicto y ponerlo en perspectiva con otros conflictos y sus actores.
Caminando entre sombras nace de una necesidad profundamente personal: representar, a través de la pintura, la estrecha relación que existe entre los espacios interiores que habito y los estados emocionales asociados a la depresión. Este proyecto artístico es el resultado de un proceso introspectivo en el que, desde mi experiencia con el Trastorno Depresivo Mayor, desarrollé una serie de tres obras que simbolizan distintas manifestaciones de esta condición.
Este proyecto explora las múltiples memorias generadas durante el paro nacional del 2021 en la ciudad de Cali, un evento que dejó una huella diversa y profunda en los habitantes de la ciudad. No estamos recogiendo sólo fragmentos de lo que ocurrió, sino de lo que sigue resonando en nosotros. Este proyecto no pretende congelar el pasado, sino mostrar cómo esas memorias continúan evolucionando, latentes en el presente.
Este proyecto de investigación-creación propone una reflexión alrededor de la idea del cuerpo como un territorio vivo, cambiante y simbólico, donde se alojan memorias, vivencias y herencias; por medio de una instalación interactiva, se representa la piel negra como archivo de ancestralidades, resignificando prácticas culturales como la escarificación, la pintura corporal y los tatuajes tribales, muchas veces descontextualizadas o invisibilizadas dentro de los discursos contemporáneos.
El proyecto consiste en la creación de una serie de obras que representan diferentes etapas de la vida, articuladas entre sí para crear una experiencia sensorial. Cada obra cuenta con una iluminación y un sonido característicos, que representan la etapa de la vida mostrada a través de la combinación de luz y sonido. Se busca transmitir emociones y sensaciones, invitando al espectador a conectarse con cada etapa representada. Las etapas de la vida abordadas son: nacimiento, niñez, adolescencia, adultez, vejez y muerte.
La obra aborda las generalidades de la maternidad partiendo de mi experiencia personal, para luego indagar sobre las maternidades de otras mujeres. La perspectiva tanto inductiva como experimental del proyecto me permitió ir de lo particular a lo general mediante la observación, la experimentación y la generalización, mientras que la combinación de la teoría, la práctica y la reflexión, junto con la exploración de los diferentes materiales y técnicas, me permitió la creación de nuevo conocimiento expresado de manera poética a través del arte y sus lenguajes.
Mujer, rechazo y abandono. Relatos en una colección pictórica de acrílico sobre lienzo
El presente trabajo aborda una propuesta pictórica centrada en los testimonios de tres mujeres que han experimentado el rechazo y el abandono. A través de una colección de tres pinturas en acrílico sobre lienzo, la autora representa de manera metafórica y visual los relatos íntimos de sus protagonistas, integrando elementos de la naturaleza significativos para cada una.
A través de la intervención artística en billetes en circulación con tinta invisible —que revela rostros, nombres y logros al ser iluminados con luz ultravioleta—, la obra cuestiona la escasa representación de mujeres en los espacios simbólicos del poder, como el dinero, y busca rescatar y compartir los logros de estas pioneras del siglo XX en Colombia, cuyas contribuciones fueron fundamentales para la construcción del país.
El núcleo de mi obra es el tiempo y la idea de la obra inacabada es que me da una visión directa de la temporalidad, del rastro o del proceso de creación del artista; aunque existen obras sin terminar en donde el autor lo hace de manera intencional, la incompletitud se ha convertido en mi herramienta de exploración, pues al realizar una búsqueda y una comparación de las obras elegidas a través de los años, obras de las que existe un registro fotográfico
La presente obra titulada “Dos mil” nace de la intención de reinterpretación del clásico del cine “Sherlock Jr” (1924) de Buster Keaton, para el curso de Video.
Tejiendo tradiciones. Arte y Artesanía en Vélez, Santander
Este ensayo, producto del curso de Oralidad y Escritura, aborda cómo usar las nuevas tecnologías para promover el arte, la artesanía, el bordado y el traje típico de Vélez, sin perder su autenticidad cultural.
Desafíos de la creación artística con Inteligencia Artificial
La creación artística, desde sus primeras manifestaciones hasta la contemporaneidad, ha sabido responder a la evolución de los avances tecnológicos y científicos que le propone su tiempo. Desde sus primeras manifestaciones en la caverna hasta las innovaciones digitales contemporáneas, el arte ha utilizado las herramientas que están a su alcance para su desarrollo y evolución. Sin embargo, actualmente existe una especie de extrañamiento y prevención cuando hablamos de la relación Inteligencia Artificial y creación artística, debido a que esta relación nos propone una nueva mirada sobre la naturaleza misma de la creación, y abre una gran discusión sobre la creatividad, y la autoría; cualidades que se creía, eran exclusivamente humanas.
El arte del performance en Latinoamérica
El arte del performance ha tomado gran relevancia en Latinoamérica en las últimas décadas, permitiendo a los artistas explorar su cuerpo como instrumento de creación y expresión, rompiendo las convenciones tradicionales del arte y abriendo nuevas posibilidades de expresión. Sin embargo, se plantea una pregunta: ¿Cuál es su origen y cómo ha evolucionado a lo largo del tiempo?
Análisis de obras de arte en espacio público del curso de Conservación y preservación del patrimonio artístico.
La Pesca Artesanal, una práctica que enfrenta la extinción debido al desarrollo industrial y el cambio climático, a través de un cortometraje, una exposición fotográfica y una composición musical, se pretende mostrar la belleza y complejidad de este oficio tradicional.
Esta investigación creación explora gráficamente las características etnográficas y sociológicas de diversos oficios en Teusaquillo, Bogotá, relacionándolos con las primeras ocho cartas del tarot: El Loco, El Mago, La Sacerdotisa, La Emperatriz, El Emperador, El Sumo Sacerdote, Los Enamorados y La Carroza, que representan el mundo cotidiano. Estas cartas hacen parte de los 22 arcanos mayores del tarot, simbolizan patrones de comportamiento universal, según Carl Jung, como el “inconsciente colectivo”. La interpretación de estas cartas permite una visión artística de la rutina diaria.
Un fotógrafo local comparte su inconformidad ante la situación climática y daño ambiental, una serie enseñando la realidad de la relación del hombre con la naturaleza, enfocado en una de las regiones de la amazonia del departamento del Caquetá en Florencia, donde se refleja las urgencias ambientales, sociales y políticas que atraviesa el territorio y el ecosistema amazónico en el siglo XXI. Este trabajo se sumerge en los contrastes visuales y emocionales que emergen cuando observamos de cerca la coexistencia del desarrollo humano y la fragilidad ambiental. Desde la serenidad superficial de sus ríos hasta las impactantes cicatrices de la tala y quema de bosques. “Contrastes” busca arrojar luz sobre la interacción a veces armoniosa, a veces destructiva entre la población local y este ecosistema que se suele llaman hogar. Enfocándose en aspectos críticos del daño ambiental, el lente se dirige a la contaminación de los ríos, testigos mudos de la actividad humana desmedida. Explorando como estas fuentes de vida se ven amenazadas por prácticas insostenibles, y cómo su pureza original se ve eclipsada por la huella de la civilización.
Instalación artística compuesta por 15 piezas gráficas (técnicas varias entre dibujos y textiles bordados) realizadas por la familia, 1 pieza central (acrílico, costuras, bordados, lápiz sepia, y pan de oro sobre lienzo) que sintetiza las reflexiones sobre la familia y sus cicatrices, 13 audios contenidos en un sitio web al que se accede a través de códigos QR.
El propósito central de esta obra de investigación creación gravita en torno a la fragilidad de las expresiones orales, especialmente los refranes y dichos populares presentes en el lenguaje cotidiano, los cuales actúan como vehículos de sabiduría y cultura que se transmiten de una generación a otra en la región del altiplano cundiboyacense, indagando a su vez sobre la vulnerabilidad de estas formas particulares del habla y su debilitamiento a medida que la sociedad avanza. Este proyecto de investigación-creación es una obra de videoinstalación que explora la intervención artística de una vasija de barro fragmentada como artefacto material para representar el aspecto inmaterial del habla y luego reparada con cintas las cuales tienen escritos refranes y dichos, esta reparación hecha con cintas que pueden desprenderse con el tiempo, no busca mantener la obra intacta de manera permanente, sino que destaca la naturaleza transitoria y cambiante de la tradición oral, representando la idea de que las expresiones culturales están sujetas a la erosión del tiempo y a los cambios socioculturales, de forma que se fusiona la apropiación material siendo las vasijas de barro símbolos tangibles de la rica tradición alfarera de la zona y conceptual en cuanto a la representación de la fragilidad de la tradición oral cundiboyacense.
Instalación compuesta por escultura, pintura y escritura creativa que parte de simbologías sintomáticas, de la naturaleza, de la ciclicidad y del útero. A través de la obra, me encuentro con mi cuerpo y con mi voz, dando lugar a una expresión que se vale del arte como medio para sanar mi experiencia y reclamar mi propia narrativa. Se rompe el silencio que tanto ha caracterizado esta enfermedad y a quienes la padecemos, al crear un espacio de reflexión sobre el vínculo profundo entre la experiencia individual y la naturaleza
Es un libro de artista que incluye un texto creativo en formato de correspondencia. Este texto está compuesto por cartas e ilustraciones dirigidas a destacadas artistas colombianas del siglo XIX, quienes han tenido un impacto significativo en mí a través de sus vidas personales y profesionales. Se llevó a cabo una investigación de las biografías de estas artistas con el fin de resaltar sus características y valores en el texto creativo, con la intención de convertirlos en modelos inspiradores para mujeres jóvenes. «Miradas femeninas» quiere aumentar la comprensión de la historia y cultura de Colombia, así como promover la identidad de género para desafiar los prejuicios de género en el ámbito artístico.
Ensoñaciones en miniatura de los antimonumentos del Valle de Pubén
Este trabajo propone la ensoñación de los antimonumentos del Valle de Pubén, como medio para combatir la falta de conocimiento sobre los monumentos y estructuras funerarias prehispánicas que se encuentran ocultas e invisibilizadas en la región. También menciona la falta de reconocimiento al escultor indigenista Rómulo Rozo y su influencia en el arte moderno colombiano, latinoamericano y mundial. A su vez, se propone una investigación-creación para dar a conocer estos monumentos a través de la construcción de miniaturas inspiradas y expuestas a manera de dioramas. El objetivo es activar la memoria y la identidad colectiva perdidas y resaltar la influencia del indigenismo en Colombia y la obra de Rozo. Además, trata de la importancia de visibilizar la exclusión y la invisibilización de las minorías, promover la revalorización de la historia y las culturas indígenas. La metodología propuesta combina la investigación y la creación artística, utilizando diferentes medios y colaboraciones con otros artistas y expertos. Se plantean objetivos específicos, como la construcción de un corpus conceptual y estético, el desarrollo de la obra de arte y su difusión en el espacio público, académico y en redes sociales.
Huellas de progreso es una instalación artística que aborda la relación entre el ser humano y el río Bogotá, destacando cómo los avances sociales, tecnológicos e industriales han generado una desconexión entre las personas y la naturaleza, lo que ha llevado a serios problemas ambientales. Debido a la explotación de recursos, la contaminación y un exceso de producción y consumo, la evolución humana ha tenido un impacto negativo en el medio ambiente.
Variedad, libertad y resistencia: claves para pensar la creación hoy. Conversaciones con Ricardo Toledo
En el marco del diseño de la Maestría en Creación, artística de la UNAD, hemos abierto un espacio de conversaciones con artistas e investigadores que, desde distintas perspectivas, nos ayudan a afinar y expandir los conceptos centrales del proyecto. Después de la entrevista con el maestro William Vásquez, quien señalaba la importancia de pensar la maestría como un “proyecto sombrilla” capaz de articular desarrollos diversos bajo un mismo horizonte, invitamos al maestro Ricardo Toledo Castellanos a compartir su visión. La UNAD, como universidad abierta y a distancia, se caracteriza por su alcance territorial y su vocación de democratizar el acceso a la educación. En este contexto, los tres ejes que sustentan la maestría creación, medios y territorios cobran una especial relevancia. La creación se entiende como núcleo del proyecto individual y colectivo de cada estudiante; los medios como lenguajes y herramientas, tanto analógicas como digitales, que median la experiencia; y los territorios como espacios geográficos, virtuales y simbólicos en los que se inscriben las prácticas artísticas y culturales. La conversación con Ricardo Toledo se centra precisamente en cómo pensar y articular estos tres conceptos. A partir de su experiencia como artista, docente e investigador, Toledo aborda la creación no solo como capacidad de producir variedad, sino también como ejercicio de libertad; los medios, como espacios de negociación y resistencia frente a los usos prescritos; y los territorios, como construcciones dinámicas donde se entrelazan ritmos, conflictos y posibilidades. Sus reflexiones ofrecen claves para comprender la maestría como un triángulo de relaciones vivas y en constante movimiento, más que como una secuencia lineal.
La creación frente a la rigidez académica: tensiones y desafíos de la investigación-creación. Conversaciones con Mauricio Bejarano
El lugar de las artes en la universidad ha estado atravesado por tensiones entre la libertad creativa y las estructuras rígidas de la institucionalidad académica. En este marco, la noción de investigación-creación se ha convertido en una categoría estratégica, al tiempo que polémica, para dar cabida a los procesos artísticos dentro de la educación superior. Sin embargo, persiste la pregunta: ¿Qué significa crear en un espacio regulado por formatos, metodologías y criterios pensados desde otras disciplinas? El maestro Mauricio Bejarano, artista sonoro y docente con amplia trayectoria en la Universidad Nacional de Colombia, nos invita a reflexionar sobre estas tensiones. Su experiencia le permite problematizar la manera en que los programas de artes han debido adaptarse a lenguajes ajenos, así como las posibilidades que emergen cuando la universidad reconoce la creación como una forma de conocimiento autónoma. Este conversatorio busca abrir un espacio de diálogo en torno a las preguntas sobre el estatuto de la creación, los retos de la escritura en el ámbito artístico y las alternativas que pueden surgir frente a las formas tradicionales de validar el saber en la academia